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*__*Cap Ou Pas Cap de dire je t'aime a quelqu'un que tu n'aimes pas ? Pas Cap
*_*Cap Ou Pas Cap de laisser partir la personne que tu aimes pour qu'elle soit heureuse ? Cap
*__*Cap Ou Pas Cap d'aimer quelqu'un sans l'avoir vue ? Pas Cap
*_*Cap Ou Pas Cap d'arriver et de l'embrasser meme si t'es la seule a l'aimer ? Cap
*_*Cap Ou Pas Cap de partir maintenant avec lui au bout du monde ? Cap
*_*Cap Ou Pas Cap de passer toute une vie sans dire "je t'aime" ? Pas Cap
*__*Cap Ou Pas Cap de coucher avec un mec le premier soir ? Cap
*_*Cap Ou Pas Cap de tomber amoureuse des le 1er jour ? Cap
*__*Cap Ou Pas Cap de n'aimer qu'une seule personne toute la vie ? Cap
*__*Cap Ou Pas Cap d'aller en sous vetements a tes examens ? Pas Cap
*_*Cap Ou Pas Cap de tout quitter par amour ? Cap
*__*Cap Ou Pas Cap de passer des journees seule a rever ? Pas Cap
*_*Cap Ou Pas Cap d'aimer sans jamais pleurer ? Pas Cap
*__*Cap Ou Pas Cap de dire a ton meilleur ami d'enfance que tu l'aimes depuis le 1er jour ? Cap
*_*Cap Ou Pas Cap de l'attendre meme quand il y a pas d'espoir ? Cap
*__*Cap Ou Pas Cap de resister a la tentation ? Cap
*_*Cap Ou Pas Cap de ne vouloir que lui ? Cap
*__*Cap Ou Pas Cap d'etre une simple amie ? Cap
*_*Cap Ou Pas Cap de rester a cote de lui sans le toucher ? Cap
*__*Cap Ou Pas Cap de lui dire la verite, rien que la verite? Cap
*_*Cap ou Pas Cap d'aimer quelqu'un pdt trois ans et jms le lui dire? Pas Cap
*_*Cap Ou Pas Cap de laisser partir la personne que tu aimes pour qu'elle soit heureuse ? Cap
*__*Cap Ou Pas Cap d'aimer quelqu'un sans l'avoir vue ? Pas Cap
*_*Cap Ou Pas Cap d'arriver et de l'embrasser meme si t'es la seule a l'aimer ? Cap
*_*Cap Ou Pas Cap de partir maintenant avec lui au bout du monde ? Cap
*_*Cap Ou Pas Cap de passer toute une vie sans dire "je t'aime" ? Pas Cap
*__*Cap Ou Pas Cap de coucher avec un mec le premier soir ? Cap
*_*Cap Ou Pas Cap de tomber amoureuse des le 1er jour ? Cap
*__*Cap Ou Pas Cap de n'aimer qu'une seule personne toute la vie ? Cap
*__*Cap Ou Pas Cap d'aller en sous vetements a tes examens ? Pas Cap
*_*Cap Ou Pas Cap de tout quitter par amour ? Cap
*__*Cap Ou Pas Cap de passer des journees seule a rever ? Pas Cap
*_*Cap Ou Pas Cap d'aimer sans jamais pleurer ? Pas Cap
*__*Cap Ou Pas Cap de dire a ton meilleur ami d'enfance que tu l'aimes depuis le 1er jour ? Cap
*_*Cap Ou Pas Cap de l'attendre meme quand il y a pas d'espoir ? Cap
*__*Cap Ou Pas Cap de resister a la tentation ? Cap
*_*Cap Ou Pas Cap de ne vouloir que lui ? Cap
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*_*Cap Ou Pas Cap de rester a cote de lui sans le toucher ? Cap
*__*Cap Ou Pas Cap de lui dire la verite, rien que la verite? Cap
*_*Cap ou Pas Cap d'aimer quelqu'un pdt trois ans et jms le lui dire? Pas Cap
L'instrumentation rap découle de la musique disco, funk et R&B, à la fois sur le plan de l'équipement sonore et des albums échantillonnés. Alors que le mixage réalisé par les DJ disco et de clubs avait pour but de produire une musique continuelle avec des transitions discrètes entre les morceaux, celui réalisé par Kool DJ Herc à lui donné naissance à une pratique visant à isoler et à étendre les seuls breaks en les mélangeant entre eux avec deux copies du même morceau. À l'origine, les breaks (ou breakbeats) étaient les transitions à l'intérieur d'un morceau, composées surtout de percussions. C'est ce qu'Afrika Bambaataa décrivit comme « la partie du disque qu'attend tout le monde... où ils se laissent aller et font les fous » (Toop, 1991). James Brown, Bob James et Parliament - parmi d'autres - ont longtemps été des sources populaires pour les breaks. Sur cette base rythmique, on pouvait ajouter des parties instrumentales provenant d'autres albums (et beaucoup l'ont fait). L'instrumentation des premiers samples utilisés est la même que celle de la musique funk, disco ou rock : voix, guitare, basse, clavier, batterie et percussions.
Alors que l'originalité de la musique rap provenait principalement des breaks des albums du DJ, l'arrivée de la boite à rythmes (appelée en anglais beat box ou drum machine) a permis aux musiciens du rap d'intégrer des fragments originaux à leur musique. Les sons de la boite à rythme étaient joués soit par-dessus la musique produite par le DJ, soit seule. La qualité des séquences rythmiques est progressivement devenue centrale pour les musiciens de rap, car ces rythmes étaient la part la plus dansante de leur musique. En conséquence, les boites à rythme ont rapidement été équipées pour produire des kicks (sons de grosse caisse) avec une basse puissante et sinusoïdale en arrière-plan. Cela a permis d'émuler les solos de batterie bien produits de vieux albums de funk, de soul et de rock datant des années 1960 et 70. Les boites à rythme avaient de plus un stock limité de sons prédéterminés incluant des cymbales, des grosses caisses, des caisses claires et des toms.
L'introduction des échantillonneurs (ou sampleurs) a changé la manière dont le rap était produit. Un échantillonneur permet d'enregistrer et de stocker numériquement des petits passages sonores provenant de n'importe quel appareil disposant d'une sortie électrique, comme une platine-disque. Les producteurs ont donc pu échantillonner les sons de batterie des albums de leur jeunesse. Plus important encore, ils ont pu sampler des sons de cuivre, de basse, de guitare et de piano à ajouter à leurs rythmes. Et le rap avait finalement son orchestration au grand complet.
Le caractère dur et énergique des sonorités de la musique rap, souvent assez éloignées du son plus organique des autres genres musicaux, constituent un obstacle à la reconnaissance du genre en tant que forme artistique à part entière. Même les groupes de rap ayant un orchestre utilisent souvent les samples et le son dur et énergique des machines pour créer leurs rythmes en studio (lors de concerts, ils les recréent habituellement avec un orchestre). Le rap est l'objet d'une méprise répandue selon laquelle les samples et les boites à rythme sont des techniques pour musiciens paresseux ou encore qu'ils ne sont qu'une pâle compensation pour un « véritable » orchestre (cette considération étant d'ailleurs courante pour toute musique faisant usage de ces techniques). Dans les faits, les producteurs de rap sont souvent à la recherche d'un timbre, d'une texture et d'une fréquence précis pour leur sample et leur séquence rythmique. Un batteur jouant en direct le break de Funky Drummer de James Brown ne peut se substituer à son sample. Toutefois, on peut noter ces dernières années une tendance de retour vers les instruments originaux avec des musiciens et producteurs tels que Timbaland, Outkast, The Roots et The Neptunes.
Alors que l'originalité de la musique rap provenait principalement des breaks des albums du DJ, l'arrivée de la boite à rythmes (appelée en anglais beat box ou drum machine) a permis aux musiciens du rap d'intégrer des fragments originaux à leur musique. Les sons de la boite à rythme étaient joués soit par-dessus la musique produite par le DJ, soit seule. La qualité des séquences rythmiques est progressivement devenue centrale pour les musiciens de rap, car ces rythmes étaient la part la plus dansante de leur musique. En conséquence, les boites à rythme ont rapidement été équipées pour produire des kicks (sons de grosse caisse) avec une basse puissante et sinusoïdale en arrière-plan. Cela a permis d'émuler les solos de batterie bien produits de vieux albums de funk, de soul et de rock datant des années 1960 et 70. Les boites à rythme avaient de plus un stock limité de sons prédéterminés incluant des cymbales, des grosses caisses, des caisses claires et des toms.
L'introduction des échantillonneurs (ou sampleurs) a changé la manière dont le rap était produit. Un échantillonneur permet d'enregistrer et de stocker numériquement des petits passages sonores provenant de n'importe quel appareil disposant d'une sortie électrique, comme une platine-disque. Les producteurs ont donc pu échantillonner les sons de batterie des albums de leur jeunesse. Plus important encore, ils ont pu sampler des sons de cuivre, de basse, de guitare et de piano à ajouter à leurs rythmes. Et le rap avait finalement son orchestration au grand complet.
Le caractère dur et énergique des sonorités de la musique rap, souvent assez éloignées du son plus organique des autres genres musicaux, constituent un obstacle à la reconnaissance du genre en tant que forme artistique à part entière. Même les groupes de rap ayant un orchestre utilisent souvent les samples et le son dur et énergique des machines pour créer leurs rythmes en studio (lors de concerts, ils les recréent habituellement avec un orchestre). Le rap est l'objet d'une méprise répandue selon laquelle les samples et les boites à rythme sont des techniques pour musiciens paresseux ou encore qu'ils ne sont qu'une pâle compensation pour un « véritable » orchestre (cette considération étant d'ailleurs courante pour toute musique faisant usage de ces techniques). Dans les faits, les producteurs de rap sont souvent à la recherche d'un timbre, d'une texture et d'une fréquence précis pour leur sample et leur séquence rythmique. Un batteur jouant en direct le break de Funky Drummer de James Brown ne peut se substituer à son sample. Toutefois, on peut noter ces dernières années une tendance de retour vers les instruments originaux avec des musiciens et producteurs tels que Timbaland, Outkast, The Roots et The Neptunes.
The robot is simply the illusion of being a robot. Movements of the robot are normally started and finished with a dimestop (a very abrupt stop), to give the impression of motors starting and stopping, but poppers have also been known to do the robot with a pop to the beat. As long as the illusion of being a robot is maintained, it is considered the robot.
Robot dancing is often considered a subsection of popping because poppers often include the robot in their routines, sometimes adding pops to the beat while maintaining the illusion of a robot, but the robot also exists as its own dance and is sometimes considered a performance rather than a dance when the performer is imitating a robot without any music. When done without music it is considered to be mime, instead of dance. Street theater often featured mimes who did a mechanical man or puppet style illusion, without music. In the late 1960s the style was used while social dancing to funk or soul music. Charles "Robot" Washington was not the first to strictly imitate a robot as a mime however, he and his partner "Robot Ann" was the first to socially couple dance the style to music at parties and clubs, and it was at this point it became a party dance and later combined with other illusion styles to form todays popping style. The robot is one of the greatest Micheal Jackson moves.
[edit] Variations
[edit] Arrested robot
A variation on the robot is the "arrested robot" style, where various parts of the dancer's body are arrested by the cops, shaken rapidly, giving the impression that the robot is breaking down. A lock-and-release of joints can also give the appearance of supports breaking down. The dancer may also freeze with an arm straight to the side with lower arm swaying.
[edit] The Malfunctioner
A further deviation from the commonly accepted robot routine is the Malfunctioner, which is most often segued into from the "broken robot." Usually saved for the culmination of the dance, this move involves the performer stiffening, moving their joints in an exaggeratedly jerky fashion with a look of confusion on their face, and finally feigning a fall to the ground. The move attempts to leave the onlooker with the impression that the robot has completely ceased to function.
[edit] Music
Robot dancing is often considered a subsection of popping because poppers often include the robot in their routines, sometimes adding pops to the beat while maintaining the illusion of a robot, but the robot also exists as its own dance and is sometimes considered a performance rather than a dance when the performer is imitating a robot without any music. When done without music it is considered to be mime, instead of dance. Street theater often featured mimes who did a mechanical man or puppet style illusion, without music. In the late 1960s the style was used while social dancing to funk or soul music. Charles "Robot" Washington was not the first to strictly imitate a robot as a mime however, he and his partner "Robot Ann" was the first to socially couple dance the style to music at parties and clubs, and it was at this point it became a party dance and later combined with other illusion styles to form todays popping style. The robot is one of the greatest Micheal Jackson moves.
[edit] Variations
[edit] Arrested robot
A variation on the robot is the "arrested robot" style, where various parts of the dancer's body are arrested by the cops, shaken rapidly, giving the impression that the robot is breaking down. A lock-and-release of joints can also give the appearance of supports breaking down. The dancer may also freeze with an arm straight to the side with lower arm swaying.
[edit] The Malfunctioner
A further deviation from the commonly accepted robot routine is the Malfunctioner, which is most often segued into from the "broken robot." Usually saved for the culmination of the dance, this move involves the performer stiffening, moving their joints in an exaggeratedly jerky fashion with a look of confusion on their face, and finally feigning a fall to the ground. The move attempts to leave the onlooker with the impression that the robot has completely ceased to function.
[edit] Music
En 2002, Mohamed Hamlaoui, David Escobar, Romain Lemaire, Cyril Blanc et Alexandre Barouzdin organisent les soirées Tecktonik Killer dans le cadre de leur projet Tecktonik Events dont le but était de promouvoir en France deux styles musicaux issus de Belgique et des Pays-Bas : le hardstyle et le jumpstyle. Ce projet prévoyait, pour le Metropolis, la création de trois types de soirées où devaient se réunir des disc jockeys du domaine du hardstyle : les soirées Blackout, les soirées Electro Rocker et les soirées Tecktonik Killer.[réf. nécessaire] Cyril Blanc explique que le nom Tecktonik est un jeu de mots avec la théorie de la tectonique des plaques.
Parallèlement aux soirées tecktonik killer, Mohamed Hamlaoui, David Escobar, Romain Lemaire, Cyril Blanc et Alexandre Barouzdin créent, avec l'aide de designers et de commerciaux, tous les symboles entourant le phénomène tecktonik : couleurs fluos, mitaines, crête, vêtements moulants, etc[3]. Face aux succès de ces soirées, Cyril Blanc dépose les marques « Tecktonik » et « TCK » à l'INPI puis à l'international en 2007[4] afin d'empêcher les autres clubs de promouvoir leurs soirées en utilisant ces termes[5]. De nombreux produits dérivés de ces soirées sont ensuite créés dont des compilations, une marque vestimentaire, des boissons énergétiques, etc. Deux autres clubs parisiens ont ensuite pris le relais du Metropolis : le Mix Club et le Red Light.[réf. nécessaire]
La tecktonik a connu un succès croissant et s'est diffusée en France par le biais de rassemblements dans la rue et de vidéos disponibles sur Internet. Courant 2007, les médias s'intéressent au phénomène contribuant ainsi à sa diffusion. La danse se fait connaître du grand public en apparaissant dans des clips, notamment Alive de Mondotek[5] ou À cause des garçons de Yelle ou des artistes telles que Lorie. En septembre 2007, la Techno Parade a contribué à établir la visibilité de la tecktonik[6].
En novembre 2007, TF1-Entreprises est devenue l'agent international de Tecktonik avec pour but de promouvoir la marque en dehors de la France[réf. nécessaire].
Les clubs doivent obtenir l'autorisation de Cyril Blanc et Alexandre Barouzdin pour utiliser le terme « Tecktonik » ou organiser des soirées « TCK »[3].
À partir de l'année 2008, le phénomène commercial tecktonik promu par les médias, commence à s'épuiser, pour finalement quasiment disparaître en 2009.[réf. nécessaire]
Caractérisation [modifier]
Cette danse se caractérise principalement par la liberté de créer ses propre pas de danses.
Les battles sont des concours de danse durant lesquels les spectateurs jugent les danseurs en fonction de leur qualité artistique. Les danseurs les pratiquant se sont notamment inspirés des danses hip-hop. Aujourd'hui, elles sont notamment pratiquées dans les rues, les cours d'écoles ou plus rarement en discothèque. Mais surtout, les battles sont pratiqué majoritairement dans des compétitions organisées appelées Vertifight.
Le Vertifight est la compétition principale de la "danse electro". Crée en Aout 2007 par Youval, un organisateur réputé dans le milieu hip hop, les évènements battles de danse electro se sont rapidement transformés en round de qualification pour le championnat de France dont la première édition a eu lieu le 14 décembre 2008 à Paris.
Parallèlement aux soirées tecktonik killer, Mohamed Hamlaoui, David Escobar, Romain Lemaire, Cyril Blanc et Alexandre Barouzdin créent, avec l'aide de designers et de commerciaux, tous les symboles entourant le phénomène tecktonik : couleurs fluos, mitaines, crête, vêtements moulants, etc[3]. Face aux succès de ces soirées, Cyril Blanc dépose les marques « Tecktonik » et « TCK » à l'INPI puis à l'international en 2007[4] afin d'empêcher les autres clubs de promouvoir leurs soirées en utilisant ces termes[5]. De nombreux produits dérivés de ces soirées sont ensuite créés dont des compilations, une marque vestimentaire, des boissons énergétiques, etc. Deux autres clubs parisiens ont ensuite pris le relais du Metropolis : le Mix Club et le Red Light.[réf. nécessaire]
La tecktonik a connu un succès croissant et s'est diffusée en France par le biais de rassemblements dans la rue et de vidéos disponibles sur Internet. Courant 2007, les médias s'intéressent au phénomène contribuant ainsi à sa diffusion. La danse se fait connaître du grand public en apparaissant dans des clips, notamment Alive de Mondotek[5] ou À cause des garçons de Yelle ou des artistes telles que Lorie. En septembre 2007, la Techno Parade a contribué à établir la visibilité de la tecktonik[6].
En novembre 2007, TF1-Entreprises est devenue l'agent international de Tecktonik avec pour but de promouvoir la marque en dehors de la France[réf. nécessaire].
Les clubs doivent obtenir l'autorisation de Cyril Blanc et Alexandre Barouzdin pour utiliser le terme « Tecktonik » ou organiser des soirées « TCK »[3].
À partir de l'année 2008, le phénomène commercial tecktonik promu par les médias, commence à s'épuiser, pour finalement quasiment disparaître en 2009.[réf. nécessaire]
Caractérisation [modifier]
Cette danse se caractérise principalement par la liberté de créer ses propre pas de danses.
Les battles sont des concours de danse durant lesquels les spectateurs jugent les danseurs en fonction de leur qualité artistique. Les danseurs les pratiquant se sont notamment inspirés des danses hip-hop. Aujourd'hui, elles sont notamment pratiquées dans les rues, les cours d'écoles ou plus rarement en discothèque. Mais surtout, les battles sont pratiqué majoritairement dans des compétitions organisées appelées Vertifight.
Le Vertifight est la compétition principale de la "danse electro". Crée en Aout 2007 par Youval, un organisateur réputé dans le milieu hip hop, les évènements battles de danse electro se sont rapidement transformés en round de qualification pour le championnat de France dont la première édition a eu lieu le 14 décembre 2008 à Paris.
En 2002, Mohamed Hamlaoui, David Escobar, Romain Lemaire, Cyril Blanc et Alexandre Barouzdin organisent les soirées Tecktonik Killer dans le cadre de leur projet Tecktonik Events dont le but était de promouvoir en France deux styles musicaux issus de Belgique et des Pays-Bas : le hardstyle et le jumpstyle. Ce projet prévoyait, pour le Metropolis, la création de trois types de soirées où devaient se réunir des disc jockeys du domaine du hardstyle : les soirées Blackout, les soirées Electro Rocker et les soirées Tecktonik Killer.[réf. nécessaire] Cyril Blanc explique que le nom Tecktonik est un jeu de mots avec la théorie de la tectonique des plaques.
Parallèlement aux soirées tecktonik killer, Mohamed Hamlaoui, David Escobar, Romain Lemaire, Cyril Blanc et Alexandre Barouzdin créent, avec l'aide de designers et de commerciaux, tous les symboles entourant le phénomène tecktonik : couleurs fluos, mitaines, crête, vêtements moulants, etc[3]. Face aux succès de ces soirées, Cyril Blanc dépose les marques « Tecktonik » et « TCK » à l'INPI puis à l'international en 2007[4] afin d'empêcher les autres clubs de promouvoir leurs soirées en utilisant ces termes[5]. De nombreux produits dérivés de ces soirées sont ensuite créés dont des compilations, une marque vestimentaire, des boissons énergétiques, etc. Deux autres clubs parisiens ont ensuite pris le relais du Metropolis : le Mix Club et le Red Light.[réf. nécessaire]
La tecktonik a connu un succès croissant et s'est diffusée en France par le biais de rassemblements dans la rue et de vidéos disponibles sur Internet. Courant 2007, les médias s'intéressent au phénomène contribuant ainsi à sa diffusion. La danse se fait connaître du grand public en apparaissant dans des clips, notamment Alive de Mondotek[5] ou À cause des garçons de Yelle ou des artistes telles que Lorie. En septembre 2007, la Techno Parade a contribué à établir la visibilité de la tecktonik[6].
En novembre 2007, TF1-Entreprises est devenue l'agent international de Tecktonik avec pour but de promouvoir la marque en dehors de la France[réf. nécessaire].
Les clubs doivent obtenir l'autorisation de Cyril Blanc et Alexandre Barouzdin pour utiliser le terme « Tecktonik » ou organiser des soirées « TCK »[3].
À partir de l'année 2008, le phénomène commercial tecktonik promu par les médias, commence à s'épuiser, pour finalement quasiment disparaître en 2009.[réf. nécessaire]
Caractérisation [modifier]
Cette danse se caractérise principalement par la liberté de créer ses propre pas de danses.
Les battles sont des concours de danse durant lesquels les spectateurs jugent les danseurs en fonction de leur qualité artistique. Les danseurs les pratiquant se sont notamment inspirés des danses hip-hop. Aujourd'hui, elles sont notamment pratiquées dans les rues, les cours d'écoles ou plus rarement en discothèque. Mais surtout, les battles sont pratiqué majoritairement dans des compétitions organisées appelées Vertifight.
Le Vertifight est la compétition principale de la "danse electro". Crée en Aout 2007 par Youval, un organisateur réputé dans le milieu hip hop, les évènements battles de danse electro se sont rapidement transformés en round de qualification pour le championnat de France dont la première édition a eu lieu le 14 décembre 2008 à Paris.
Parallèlement aux soirées tecktonik killer, Mohamed Hamlaoui, David Escobar, Romain Lemaire, Cyril Blanc et Alexandre Barouzdin créent, avec l'aide de designers et de commerciaux, tous les symboles entourant le phénomène tecktonik : couleurs fluos, mitaines, crête, vêtements moulants, etc[3]. Face aux succès de ces soirées, Cyril Blanc dépose les marques « Tecktonik » et « TCK » à l'INPI puis à l'international en 2007[4] afin d'empêcher les autres clubs de promouvoir leurs soirées en utilisant ces termes[5]. De nombreux produits dérivés de ces soirées sont ensuite créés dont des compilations, une marque vestimentaire, des boissons énergétiques, etc. Deux autres clubs parisiens ont ensuite pris le relais du Metropolis : le Mix Club et le Red Light.[réf. nécessaire]
La tecktonik a connu un succès croissant et s'est diffusée en France par le biais de rassemblements dans la rue et de vidéos disponibles sur Internet. Courant 2007, les médias s'intéressent au phénomène contribuant ainsi à sa diffusion. La danse se fait connaître du grand public en apparaissant dans des clips, notamment Alive de Mondotek[5] ou À cause des garçons de Yelle ou des artistes telles que Lorie. En septembre 2007, la Techno Parade a contribué à établir la visibilité de la tecktonik[6].
En novembre 2007, TF1-Entreprises est devenue l'agent international de Tecktonik avec pour but de promouvoir la marque en dehors de la France[réf. nécessaire].
Les clubs doivent obtenir l'autorisation de Cyril Blanc et Alexandre Barouzdin pour utiliser le terme « Tecktonik » ou organiser des soirées « TCK »[3].
À partir de l'année 2008, le phénomène commercial tecktonik promu par les médias, commence à s'épuiser, pour finalement quasiment disparaître en 2009.[réf. nécessaire]
Caractérisation [modifier]
Cette danse se caractérise principalement par la liberté de créer ses propre pas de danses.
Les battles sont des concours de danse durant lesquels les spectateurs jugent les danseurs en fonction de leur qualité artistique. Les danseurs les pratiquant se sont notamment inspirés des danses hip-hop. Aujourd'hui, elles sont notamment pratiquées dans les rues, les cours d'écoles ou plus rarement en discothèque. Mais surtout, les battles sont pratiqué majoritairement dans des compétitions organisées appelées Vertifight.
Le Vertifight est la compétition principale de la "danse electro". Crée en Aout 2007 par Youval, un organisateur réputé dans le milieu hip hop, les évènements battles de danse electro se sont rapidement transformés en round de qualification pour le championnat de France dont la première édition a eu lieu le 14 décembre 2008 à Paris.
Mourir d'aimer
Quand l'aîné près de toi lance sous ta guipure
Une main promeneuse à laquelle tu ris ;
Quand, se chauffe son corps dont il est trop épris,
Il ne peut que goûter à la groseille mûre.
Dans le bois frissonnant où bruissent des murmures,
Vous liez à la fois vos chairs et vos esprits,
Le sang de la jeunesse et le verbe fleuri,
Et sur la bouche goutte le jus de la mûre.
A trop vouloir aimer, on griffe et l'on se mord
En préface du livre ouvert sur une âme, or
Elle est condamnée à ne pas être épargnée.
L'immortel ne peut pas se sentir infecté
Par un baiser païen qui lui causerait tort,
Car, éternel, il est étranger à la mort.
Quand l'aîné près de toi lance sous ta guipure
Une main promeneuse à laquelle tu ris ;
Quand, se chauffe son corps dont il est trop épris,
Il ne peut que goûter à la groseille mûre.
Dans le bois frissonnant où bruissent des murmures,
Vous liez à la fois vos chairs et vos esprits,
Le sang de la jeunesse et le verbe fleuri,
Et sur la bouche goutte le jus de la mûre.
A trop vouloir aimer, on griffe et l'on se mord
En préface du livre ouvert sur une âme, or
Elle est condamnée à ne pas être épargnée.
L'immortel ne peut pas se sentir infecté
Par un baiser païen qui lui causerait tort,
Car, éternel, il est étranger à la mort.
Sous le nom de Yamaha Organ Manufacturing, elle a été fondée en 1889 par Torakusu Yamaha à Hamamatsu dans la préfecture de Shizuoka. Torakusu Yamaha, horloger et mécanicien, avait remporté un franc succès en réparant l'orgue d'une des écoles de la ville. L'entreprise vendit cette année là 250 instruments. En 1897, elle fut rebaptisée Nippon Gakki Co., Ltd. (Nippon Gakki Seïzo Kabushiki Kwaïsha) dans le but de se lancer dans la fabrication d'autres instruments.
En 1900, Yamaha revient des États-Unis après une année passée à apprendre le métier de facteur de piano. L'entreprise se met alors à vendre ses premiers piano droits et deux ans plus tard des piano à queues. Fort de ce succès, elle continue donc de se diversifier en fabriquant d'autres instruments : harmonicas, xylophones, etc. Torakusu Yamaha, meurt en 1916.
En 1930, Nippon Gakki crée son propre laboratoire d'acoustique. Durant la deuxième guerre mondiale, l'entreprise est forcée de fabriquer des hélices d'avions et de 1944 à 1947 elle ne produira plus aucun instrument. Après la guerre, la croissance économique est importante, la société planche sur différents produits lui permettant de se diversifier (machine à coudre, automobile, etc.).
En 1955, Nippon Gakki est rebaptisée Yamaha en l'honneur de son fondateur et lance sa première motocyclette, la YA-1.
Yamaha achète Korg en 1989 et Steinberg en 2004.
En 2001, l'activité motos et moteurs se sépare de Yamaha Corporation par la création de Yamaha Motor Corporation. Cette scission se fait par échange d'actions avec Toyota.
Le signe de la marque, qui représente trois diapasons entrecroisés, rappelle les débuts de cette entreprise qui aujourd'hui est l'un des deux plus grands fabricants de pianos au monde, environ 130 000 unités par an.
En 1900, Yamaha revient des États-Unis après une année passée à apprendre le métier de facteur de piano. L'entreprise se met alors à vendre ses premiers piano droits et deux ans plus tard des piano à queues. Fort de ce succès, elle continue donc de se diversifier en fabriquant d'autres instruments : harmonicas, xylophones, etc. Torakusu Yamaha, meurt en 1916.
En 1930, Nippon Gakki crée son propre laboratoire d'acoustique. Durant la deuxième guerre mondiale, l'entreprise est forcée de fabriquer des hélices d'avions et de 1944 à 1947 elle ne produira plus aucun instrument. Après la guerre, la croissance économique est importante, la société planche sur différents produits lui permettant de se diversifier (machine à coudre, automobile, etc.).
En 1955, Nippon Gakki est rebaptisée Yamaha en l'honneur de son fondateur et lance sa première motocyclette, la YA-1.
Yamaha achète Korg en 1989 et Steinberg en 2004.
En 2001, l'activité motos et moteurs se sépare de Yamaha Corporation par la création de Yamaha Motor Corporation. Cette scission se fait par échange d'actions avec Toyota.
Le signe de la marque, qui représente trois diapasons entrecroisés, rappelle les débuts de cette entreprise qui aujourd'hui est l'un des deux plus grands fabricants de pianos au monde, environ 130 000 unités par an.